Bertolt Brecht Process.
Hacia la creación.
Creemos que el impulso a una actividad creativa como en Brecht Process es importante y relevante para la gestión del teatro contemporáneo nacional.
En un espacio donde los participantes podrán dialogar, aprender y crear a partir de diversas actividades formativas en un proceso continuado que tendrá resultados específicos y se prestará como un ambiente de detonación de ideas y proyectos para el emprendimiento de actividades futuras en Artes Escénicas.
Este año dedicado a los procesos e instrumentos creativos en el arte contemporáneo, es un gusto presentar el BERTOLT BRECHT PROCESS esperamos sea de su agrado y colabore a la formación de nuevas visiones artísticas en nuestro medio.
Sofía Orihuela
Directora Bertolt Brecht Process
La ultima cinta Krapp
El actor Luis Bredow inaugura el Bertolt Brecht Process
La última cinta de Krapp. Aquí escribe una aproximación a Samuel Beckett, el autor de esa obra de teatro.
Lo que sucede en La última cinta de Krapp es muy sencillo: Krapp es un hombre solitario que celebra su cumpleaños 69 escuchando su propia voz en una vieja cinta magnetofónica que él mismo grabó, hace 30 años.
¿Se puede hace una obra de teatro a partir de un argumento tan sencillo, tan poco dramático? ¿Dónde está el conflicto que debe nutrir la acción teatral? “¿Cómo interesar al público cuando el actor tiene como principal acción el acto de oír? ¿Cómo puede ser dramático el acto de escuchar?” Esas fueron las preguntas que se hizo el actor Pierre Chabert cuando Samuel Beckett le propuso representar al viejo Krapp, en 1975.
Sin embargo, lo que a primera vista parece una situación muy poco dramática, se convierte —cuando la pieza de Beckett llega en buenas condiciones a la escena— en un monumento que pone en evidencia la condición humana, la vida del hombre en el tiempo, la fragilidad de la identidad personal, el inevitable fracaso de la existencia…
Vivir Beckett
Por eso, lo más que se puede decir sobre la obra de Beckett y particularmente sobre La última cinta de Krapp, es que no pretende ser una obra con “mensaje” que debe y puede ser descodificado y traducido a otras palabras, sino que es un acto o más bien una “performance”, un acontecimiento, que se significa únicamente a sí mismo y que para ser comprendido debe ser experimentado. Igual que el amor, la muerte, un sabor, una visión, un poema…
De ahí que Becket y el teatro se complementen a la perfección pues ese arte —que ocurre en el instante y jamás se repite— privilegia la experiencia personal integral por encima de la comprensión meramente intelectual. De ahí también que esta pieza no pida al público que use su intelecto y su ilustración, sino que ingrese en la obra, la experimente y entienda a través de su sensibilidad y su atención a la gramática de los gestos.
Mirar la máquina para luego saber qué produce
Por eso, no es útil intentar explicitar “qué dice” La última cinta de Krapp —pues puede decir diversas cosas a diferentes personas—sino que es más conveniente analizar “cómo lo dice”, cuál es su “técnica”. Esta manera de buscar respuestas es muy peculiar pues es como mirar primero una máquina para luego descubrir qué produce…
La última cinta de Krapp es lo que la ciencia-ficción ha imaginado y llamado una “máquina del tiempo”. Por supuesto que no es una máquina que nos transporta al futuro. Para eso basta el fluir natural del tiempo y, además, el futuro deja de serlo en el preciso instante en que ya existe. Más bien es una máquina que recupera el pasado y lo torna simultáneo con el presente, no sólo como un recuerdo sino como un estímulo inmediato para la acción. En la práctica, esta máquina del tiempo adopta la forma de una decrépita grabadora de cintas magnetofónicas, de la que surge la voz de un hombre de 39 años, que es escuchada por el mismo hombre que hoy cumple 69 años, que escucha las reacciones del hombre de 39 cuando escuchó otra cinta que grabó cuando cumplía 29 años. Hoy, el viejo Krapp ha decidido grabar su “última cinta”…
El tiempo comparece en la escena
Gracias a este sencillo mecanismo, La última cinta de Krapp permite una vison del tiempo pues pone a comparecer instantes que encapsulan simultáneamente el pasado, el presente y el futuro.
Así pues, es como si esta máquina del tiempo produjera espejos que reflejan simultáneamente todas las modalidades posibles del tiempo. No es poca cosa poder espectar ese fenómeno sin perder la cabeza. Pero, además, el espectador tiene la oportunidad de ver el efecto que tienen y siempre tuvieron estos espejos sobre Krapp, el conejillo de indias que Beckett introduce en su máquina.
Krapp, cada vez que se mira en estos espejos, deja de reconocerse y se re-niega a sí mismo. ¿Quién es, entonces, este hombre, que esta vez se llama “Krapp” y que bien podría llamarse “ego” o “yo” o “nosotros” o “ellos”? ¿Cuál es su identidad? ¿Qué es esa cosa que llamamos “identidad” y que añoramos y afirmamos con tanta insistencia y hasta con heroísmo (particularmente los bolivianos de este tiempo) ?
Esa pregunta es el “producto” que arroja una máquina del tiempo inventada por Samuel Beckett y que se pone efectivamente en funcionamiento cada vez que se representa La última cinta de Krapp. Este “producto” es lo que los espectadores se llevarán a casa, al finalizar la función.
Puesta en escena y dirección | Marcos Malavia |
Asistente de dirección , sonidista y luminotécnico | Marcelo Sosa |
Construcción de objetos y escenografía | El Bunker: Vania de Lucca y Donato Fernández |
Grabación y edición de sonido | Álvaro Eguino Anaya y Javier Tapia |
Música | Philipp Glass |
Krapp | Luis Bredow Sierra |
TALLER WORKSHOP CREACIÓN Y TRABAJO ESCENICO:
Hacia la nueva escena (entre actuación danza, opera y performance)
Es un taller teórico-práctico con el objetivo de HABILITAR AL PARTICIPANTE EN UNA NOCIÓN AMPLIA DE ACTUACIÓN Y ESCENIFICACIÓN, DENTRO DE LAS NUEVAS FORMAS DE RELACIÓN ENTRE ACTORES Y DIRECTORES Y LA CREACIÓN EN ARTES VIVAS, QUE LE PERMITA ABORDAR SU TRABAJO DE MANERA MÁS VARIADA Y PROPOSITIVA. Para lo cual se revisarán casos que van desde la escena realista hasta formas del performance, pasando por la escena postmoderna y contemporánea y apuntando hacia la actual intertextualidad.
DEL 9 AL 15 FINALIZANDO CON UNA MUESTRA ABIERTA A PÚBLICO EN EL MARCO DEL BRECHT PROCESS 2010, en el Martadero, el 16 de Diciembre.
ACERCA DEL DOCENTE:
Diego Aramburo es director y fundador de KIKNTEATRO, y uno de los artistas más importantes de la cultura boliviana (revista especializada Mouvement –de Francia-).
Participa regularmente en FESTIVALES INTERNACIONALES e instancias de gran prestigio como la UNESCO han reconocido su trabajo entre el de artistas destacados del mundo. HA OBTENIDO EL PREMIO NACIONAL DE TEATRO OCHO VECES.
Dirige y actúa en USA, Brasil, Argentina, Francia y Canadá y sus textos han sido traducidos y montados también en el exterior, entre ellos “Feroz” (1999), “Ese Cuento del Amor” (2002), y “Transparente” (2007). “Crudo” (2004), fue convertida en guión cinematográfico y ese proyecto también ha recibido varios premios.
Con Macbett (Teatro Nacional de Quebec, 2009), se convierte en el PRIMER DIRECTOR QUE DESARROLLÓ Y EJERCE SU CARRERA EN BOLIVIA EN EN SER CONTRATADO PARA REALIZAR UN MONTAJE EN UN TEATRO OFICIAL DE PRIMER NIVEL y comparte cartelera con grandes nombres como Robert Lepage y Wajdi Mouawad. Y su presencia en LA MOUSSON D'ÉTÉ de 2010, con su texto “Fragmentos Líquidos”, INSCRIBE LA PARTICIPACIÓN BOLIVIANA EN FESTIVALES INTERNACIONALES DE NUEVAS PROPUESTAS DRAMATURGIAS.
TIMPANA
Se forma como grupo en Enero del 2010, con Alejandra Lanza, Amado Espinoza, Manuel Rocha, y José Luis Bueno.
El Proyecto se inicia con Alejandra y Amado el año 2007 cuando crearon su primer sencillo "Alma Perdida" nombre que ahora lleva el primer Álbum.
Sobre el Álbum
“Alma Perdida” es un “Soundtrack” basado en una historia escrita, que tiene como resultado 10 tracks pensados para escucharse como una unidad.
Sinopsis.
"Alma Perdida" cuenta las aventuras de Ausencio acompañado de su perro Pegaso, quien emprende un viaje en busca de su amada, que ha sido raptada por el bosque y convertida en voz.
El viaje empieza con el abandono de la casa. Durante la travesía, Ausencio y Pegaso pasan por distintas aventuras y mundos desconocidos.
El Album "Alma Perdida" habla del Amor, la fé, el miedo, el re inicio de la vida y la renovaciòn del Alma.
Sobre el espectáculo.
“Alma Perdida” Acto único.
El espectáculo ó performance musical, se encarga de ilustrar musical, ambiental y vocalmente la historia de Ausencio y Pegaso con fuertes elementos teatrales y de danza. Se han creado ambientes para que la historia tenga una unidad, es decir, que tanto en el disco como en el espectáculo, no existen pausas entre las canciones. El espectáculo tiene una duración de 45 min.
Sobre la propuesta musical
“Alma Perdida” tiene una variada gama de géneros y ritmos del mundo
y se ejecuta con los siguientes instrumentos:
Guitarras electro acústicas; Bajo; Acordeón; Cajón peruano; Congas; Djembes (tambor africano); Derbake (tambor árabe); Didgeridoo (instrumento australiano); Charango, Panderos y pequeños instrumentos con efectos sonoros.
TEXTOS QUE MIGRAN
Mis muy privados festivales mesiánicos
En la oficina de un Ministerio Público, tres Trabajadoras Sociales al borde de sus posibilidades.
El número de casos las supera, los papeles se amontonan sobre los escritorios, el teléfono no para de sonar: abogados, padres que golpean, hijos que podrían golpear, denunciantes habituales. ¿Cuál es el límite? Un fracaso al lado de otro. En la vida, en el trabajo, en el amor. Un universo donde todos necesitaríamos asistencia y la realidad tira por tierra cualquier aspiración por hacer las cosas bien.
EL DIRECTOR Percy Jiménez
Egresado de la Facultad de Economía de la Universidad Católica Boliviana, es cofundador del grupo “Teatro Duende”, junto a Pedro Grossman y Erika Andia, con quienes producen 7 obras entre 1995 y 2001 con las cuales participan en distintos festivales tanto nacionales como internacionales. En 2002 se traslada a Buenos Aires donde estudia dramaturgia en la Escuela Metropolitana de Arte dramático. Entre 2004 y 2009, trabaja como asistente creativo de Gonzalo Martínez y como asistente de dirección Daniel Veronese en “El Hombre Que Se Ahoga”. Dirige y estrena cuatro espectáculos, dos de su autoría “Sirenas” (2006) y “Pintura Rupestre” (2007), de Daniel Veronese la obra “Formas de hablar de las madres de los mineros mientras esperan que sus hijos salgan a la superficie” (2005) y “Mis muy privados festivales mesiánicos” (Kaspar Häuser Meer) de Felicia Zeller (Alemania). Como actor trabaja con Carolina Adamovsky en la obra “Comunidad” (2006), Gonzalo Martínez en la obra “Los Demonios” (2008), además de otros trabajos. Paralelamente, entre 2005 y 2008 fue parte de la cooperativa que se encarga de la dirección artística del teatro Espacio Callejón, importante teatro del circuito independiente de Buenos Aires. Finalmente, de regreso en La Paz en 2009, fue Director Artístico del Festival Internacional Escénica, producido por el Gobierno Municipal conmemorando el bicentenario de esta ciudad. En 2010 estrena en La Paz la versión paceña de “Mis muy privados festivales mesiánicos” en el marco del Festival Internacional de La Paz (FITAZ). Paralelamente escribe una radionovela para el programa Voces Nuestras, difundida por 36 radios a nivel nacional y colabora con Klaus Händl en la escritura y posterior puesta en escena de una obra para el Ciclo de Nueva Dramaturgia del Instituto Goethe de Buenos Aires en el marco de los festejos del bicentenario argentino.
LOS ACTORES
Mario Aguirre, (La Paz, 1974) Actor. Licenciado en Artes Dramáticas con mención en Dirección de la Escuela Nacional de Teatro de Santa Cruz-Bolivia. Inicia su actividad teatral el año 1999 como miembro del grupo “La Rodilla del Telón” grupo con el cual participó de al menos 3 festivales internacionales de teatro. Es Técnico y Diseñador de Iluminación Escénica. Miembro de Imakina Comunidad Teatral, conglomerado artístico de apoyo a la gestión y producción teatral de la cual es en la actualidad el Coordinador General. También desmpeña la Coordinación General del Festival Internacional de Teatro de La Paz, FITAZ. Participa como actor en Kaspar Häuser Meer Mis muy privados festivales mesiánicos por invitación del director Percy Jimenez
Soledad Ardaya, (Cochabamba, 1978) Se formó como actriz en el Teatro de los Andes, durante ocho años (1997-2004), participando en obras como: “Gaffiti”, “Las abarcas del tiempo”, “La Iliada ”, “Frágil”. En 2005, forma parte del Teatro La Oveja Negra , con la obra “Formas de hablar..”, dirigida por Percy Jiménez, actuación por la que recibe el premio a la mejor actriz en el festival Bertolt Brecht. En 2006 participa como actriz invitada en Escena 163, en la obra “Buenas Influencias, Bonitos cadáveres”, dirigida por Eduardo Calla. Participó con roles protagónicos, en las películas bolivianas “Di buen día a Papá”, de Fernando Vargas, y “Sena Quina”, de Paolo Agazzi, y en roles secundarios en las películas “Hospital Obrero”, y “Menos catorce en marzo” (película aún no estrenada). Por otro lado, ha participado como Directora de Casting de largometrajes de co-producción extranjera, como ser “La cacería del Nazi” (Francia), como Directora de Extras en el rodaje en Bolivia de la película de Sodenberg “Guerrilla” (Estados Unidos) y Directora de Casting en la película “Zona Sur” (Bolivia).
Miguelángel Estellano, (La Paz, 1979) Es actor egresado de la Escuela Nacional de teatro. Ha transitado los grupos de teatro Duende y La Oveja Negra. También ha realizado algunas incursiones como Director, “Variaciones a Lorca” (2007) Y “La muerte del General” (2009). En la actualidad ejerce la docencia en la ENT , donde dicta el taller de actuación denominado Carta a los Actores.
Pedro Grossman, (La Paz, 1968) es actor, director y docente de teatro por más de quince años, comenzó con el taller de teatro de la Universidad Católica de La Paz. Su formación se basa en talleres con maestros nacionales e internacionales y el trabajo autodidacta de Teatro Duende del que fue fundador. Actuó con directores como David Mondacca, Diego Aramburo, Percy Jiménez, Norma Quintana, Omar Viale y David Stillmark entre otros. Actuó en películas como “El Atraco”, “Psicourbano”, “Alma y el viaje al Mar” y “Las Aventuras de un Gorrión” entre otros proyectos audiovisuales. Dirigió a varios grupos de jóvenes en La Paz, Norte de Potosí y Cusco.
BERTOLT BRECHT PROCESS
9 al 15 Residencia Workshop CREACIÓN Y TRABAJO ESCÉNICO:
“HACIA LA NUEVA ESCENA
(ENTRE ACTUACIÓN, DANZA, ÓPERA Y PERFORMANCE)”
DICTADO POR DIEGO ARAMBURO
Participan artistas seleccionados por convocatoria
Lugar: Martadero
10 de diciembre
Inauguración oficial del Bertolt Brecht Process
La ultima cinta Krapp
Luis Bredow
Lugar: Martadero
Horas: 19:30
Entrada: 15 Bs.
Vino de Honor
11 de diciembre:
Exposición de afiches de las versiones anteriores del festival Bertolt Brecht y
Videoconferencia internacional “Visiones del teatro contemporáneo Latinoamericano”
Lugar: ICBA
Horas: 19:30
Entrada Libre
12 de diciembre
Proyección de la película “La Despedida ” sobre Bertolt Brecht
Lugar: ICBA
Horas: 19:30
Entrada Libre
13 de diciembre
Lectura de sus obras de Bertolt Brecht
Charla sobre su obra y vida
Lugar: ICBA
Horas: 19:30
Entrada Libre
14 de diciembre
“Madre Coraje y sus hijos – Mutter Courage und ihre Kinder” Proyección en película de la pieza teatral fundamental de Bertolt Brecht
Lugar: ICBA
Horas: 19:30
Entrada Libre
15 de diciembre
Charla abierta: “Directores diferentes visiones sobre los procesos creativos”.
Lugar: ICBA
Horas: 19:30
Entrada Libre
16 de diciembre
Presentación del Workshop “HACIA LA NUEVA ESCENA
(ENTRE ACTUACIÓN, DANZA, ÓPERA Y PERFORMANCE)”
Dictado por Diego Aramburo
Lugar: Martadero
Horas: 19:30
Entrada Libre
17 de diciembre
Timpana
Lugar: Martadero
Horas: 19:30
Entrada: 15 Bs.
18 de diciembre
Clausura Bertolt Brecht Process
Mis muy privados festivales mesiánicos
Obra teatral
CÍA. TEXTOS QUE MIGRAN (La Paz )
Lugar: Martadero
Horas: 19:30
Entrada: 15 Bs.
Contactos e informaciones:
ICBA
Calle Lanza Nº 727 entre La Paz y Chuquisaca
4257248
